Se graduó en la escuela de arte de su ciudad natal (fundada por Chagall en 1921), donde tuvo grandes mecenas como Kazimir Malevich o Wassily Kandinsky. Se casó en 1976 a los 21 años de edad, teniendo dos hijos fruto de esa relación.

Tras descubrir que sólo se vendían los posters de propaganda comunista en la Unión Soviética, Afremov se fue a vivir a Israel en 1990. Pasadas dos semanas, ya tenía trabajo en una agencia de publicidad donde pintaba carteles.

En la víspera de una exhibición, su estudio fue destruido por unos judíos ortodoxos. Tras vivir 12 años en Israel, Leonid se mudó a Estados Unidos y vive actualmente en Boca Raton, Florida.

Aquí una entrevista donde Leonid cuenta un poco de su vida y opiniones.

Si el vídeo no funciona, puedes verlo aquí.

Sitio oficial – Más obras

Noche en Amsterdam

Amsterdam

Armstrong

Parque en otoño

Bailarina

Antes de la tormenta

Puente

Cannes, Francia

Celebración

Callejón en otoño

Niebla otoñal

Parque en otoño

Pescando en el lago

Amigos bajo la lluvia

El puente Golden Gate

Gols Boulevard

Puerto griego

Guitarra

Entremedias

Jimi Hendrix

Lago Como

El último beso

Luces del casco antiguo

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Noche en Luxemburgo

Batalla musical

Tren nocturno

París

Nieve rosada

Lluvia en la ciudad

Lluvia

Pieza musical en la lluvia

Regata marítima

Paisaje marítimo

Shabbat

Nubes soleadas

Invierno soleado

Sinfonía

Tango del amor

El camino de la niebla

Pueblo en el horizonte

Atardecer en Venecia

Venecia

Abedules blancos

Noche de invierno

Invierno

Maurice Vlamink, 1925

Sus principales representantes fueron Matisse, Dufy, Marquet, Manguin, Derain, Vlaminck, Camoin, Friesz y Rouault.

El fauvismo fue una respuesta contraria al impresionismo, que se basaba en el puro cromatismo, ya que según Matisse, “al mirar un cuadro hay que olvidar lo que representa”. El resultado fue un desenfreno de colores intensos y formas elaboradas por gruesos trazos negros.

Restaurante de la Machine a Bougival, de Maurice Vlaminck

El turbante rojo de Madrás, de Henri Matisse

La habitación roja, de Henri Matisse (1908-1909)

Skyline londinense, de André Derain (1906)

La pintura se basa en una antigua leyenda de Plinio el Viejo, y nos cuenta la historia de dos enamorados. El muchacho tenía que partir al campo de batalla, y antes de separarse, la chica dibujó con carbón el contorno de la sombra de su amado en la pared, que estaba siendo esbozada por luz de una vela. Así la chica podría conservar la imagen de su enamorado en su ausencia. Pero desgraciadamente, el joven murió en la guerra, dejando desconsolada a la chica.

El padre de esta muchacha era el alfarero Butades de Sición, natural de Corinto. Para contentar a su triste hija, rellenó de arcilla el dibujo que hizo esta y completó el cuerpo entero del muchacho guerrero para crear una efigie. Entonces, su hija pudo abrazar de nuevo a su enamorado fallecido.

"Invención del arte del dibujo" por Joseph-Benoit Suvee en 1791

Esta misma fábula ha sido plasmada por varios artistas a lo largo de la historia, como David Allan o Joseph Wright of Derby (1734 – 1797).

"La doncella corintia" por Joseph Wright of Derby, creada entre los años 1782 y 1784

Estas fiestas estaban basadas en unos ritos que se rendían al norte de Grecia (Tracia) sobre el año 1200 a.C. a este Dios, y que probablemente procedían de Asia Menor.

En estas fiestas, la gente entraba en éxtasis bailando desinhibidamente y bebiendo. Se practicaban orgías, sacrificios humanos y animales, y unas mujeres llamadas ménades, entraban en ataques incontrolados.

Aristóteles decía que la palabra tragedia provenía de las palabras: canto, oda, y macho cabrío. A los primeros cantores y coros que aparecían en certámenes olímpicos, se les regalaba un macho cabrío, símbolo de Dioniso, el dios al cual todo el mundo cantaba, el gran dios del apasionamiento de la vida o de la fecundidad del renacimiento perpetuo.

El éxtasis dionisíaco constituía la base del espectáculo trágico. El ditirambo era un canto o himno que formaba parte de esos ritos a Dioniso, en los que se representaba de forma mímica e incluso añadiéndoles música. Empezó como una parte de la ceremonia que se representaba ante las masas describiendo la historia de Dioniso.

Una banda de 50 hombres, vestidos por la mitad de macho cabrío, eran los sátiros sirvientes de Dioniso. Tocaban tambores, flautas y liras mientras bailaban alrededor de una efigie de Dioniso. Según algunos registros, portaban un casco en forma de falo.

Esta costumbre fue introducida en Atenas sobre el año 500 a.C., evolucionando hasta el nacimiento del teatro con texto, actores y público, tomando forma de poesía artística y abarcando más temas que no fueran las historias de Dioniso, como varias de la mitología griega. De esta forma, el ditirambo evolucionó hasta la historia representada: el drama.

Teatro de Dioniso visto desde la Acrópolis

Reconstrucción del Teatro de Dioniso

Algún componente del coro salía de él para entonar otra cosa (el corifeo) y el coro le replicaba (el ritornello); con el tiempo, el ditirambo sufriría la evolución hacia el teatro. En un principio un “primer actor” salió del coro para disfrazarse de Dioniso, posteriormente se representarían escenas de la vida del dios, y finalmente, de los hombres.

Se asegura que el primero en separarse del coro fue Tespis, el primer actor de teatro del que se tiene constancia. Tespis viajaba con su barco de isla en isla apareciendo en cada fiesta dionisíaca del coro para intercalar ritornellos con el mismo. Aun así, Tespis era sólo un cuentacuentos, ya que carecía del principal de los elementos del teatro: el diálogo. Tespis no era un personaje, tan sólo un narrador que entremezclaba con el coro. En esta primera fase, no se hacía el teatro propiamente dicho.

El subsiguiente paso esencial y último, sería la integración del diálogo al ditirambo, la aparición de un segundo actor. Si Tespis era el protagonista que conversaba con el coro, el paso posterior sería un deuteragonista que dialogaría con Tespis.

Sobre el año 535 a.C., Tespis resultó vencedor del concurso dramático que se celebraba en las Grandes Dionisíacas.

Los festejos se celebraban durante varios días. Antes, la ciudad había elegido a 3 ó 4 poetas para que escenificaran sus obras de teatro durante esos días. Normalmente interpretaban una tetralogía (3 tragedias –que eran la trilogía– y un drama satírico), y el público determinaba, tras ver las representaciones, cuál de los poetas merecía ganar. Más tarde se fue introduciendo una comedia para finalizar las fiestas.

En cuanto Esquilo, el primero de los 3 grandes trágicos, llegó al teatro, ésta ya era una costumbre totalmente desarrollada y Esquilo se sirvió de un protagonista y de un deuteragonista. Fue Esquilo quien llevó este tercer personaje a la obra, y con ello procuró innumerables y nuevas posibilidades (si nos fijamos, en las obras de Esquilo nunca hay más de 3 personajes juntos en escena). Mientras los autores introducían cambios en el teatro, éste siguió manteniendo varios aspectos del ditirambo que nunca desaparecerieron como es el coro o el altar en medio de la orquesta.

Se creó la orquesta, que sería el pilar del teatro, y allí se situó el coro al lado de aquel altar en el que tiempo atrás se sacrificaba un carnero en honor a Dioniso, que sigue exhibiéndose de forma simbólica en el centro de la orquesta.

El protagonista y el deuteragonista requerían de su propio espacio, y por ello se creó el proskenion, o escenario. Pero en una representación hay más de 2 personajes, aunque sólo 2 actores que precisan un cambio de máscara para la caracterización, y para ello se fabrica la skené, una caseta tras el proskenion donde los actores podían mudar su indumentaria en cada cambio de personaje.

El proskenion se situó en alto, y para ello existían unas escaleras denominadas paradoi, que permitían el acceso del proskenion a la orquesta. De hecho, la primera parte de la tragedia se llama con este nombre (paradoi), donde el coro, salmodiando, baja desde el proskenion a la orquesta.

Tras Esquilo, el número de actores se incrementó a tres, donde apareció el triagonista, e incluso se supone que alguna vez hubieron hasta cuatro intérpretes.

Roma tomó la afición de los griegos y tuvo también sus trágicos y tragedias teatrales, hasta que las sangrientas arenas del circo sustituyeron a la escena.

Aunque se otorgue a Grecia el privilegio de ser la cuna del teatro, existen otras civilizaciones que hicieron sus pinitos:

- Sobre el siglo XV a.C. en Egipto se representaba la muerte de Osiris por su hermano Seth y cómo Isis lo volvía a formar de los trozos que quedaron de él. Estas representaciones se realizaban en privado por sacerdotes, aunque una vez al año se hacían ante el público.

Existía así mismo, una obra de tres actos narrando como Horus vengaba a su padre dividido en tres partes con sus entreactos y con las danzas que había en estos.

- En Japón se solía realizar un teatro de carácter privado y muy solemne, donde se imitaban leyendas de dioses.

- En la India, el Diós Brahma, el de las 4 caras, creó el mundo a través de una interpretación teatral y esta fue posteriormente imitada por los mortales, en cuyas obras se recreaba la formación del mundo.

- En el Tibet, se realizaban también teatros muy ceremoniosos y secretos en los que el escenario era lo de menos. Con los movimientos y palabras de los actores, recreaban las sensaciones y las historias que los espectadores interpretaban.

El arroz se planta en primavera y va creciendo a lo largo del verano, que es cuando se forman estos impresionantes dibujos. Estas son imágenes del proceso, desde la siembra, hasta que las plantas han crecido.

Más imágenes de procesos completos con información cronológica en esta página.

Imágenes de campos de arroz en Inakadate.

En la ilustración podemos ver a un guerrero del periodo Sengoku a lomos de un caballo.

El militar Napoleón Bonaparte también montado en un caballo.

Esta ilustración está en la población de Yonezawa, en la prefectura de Yamagata, donde podemos a dos personajes de la novela Tenchijin, que ha sido adaptada a la televisión como un serie dramática. En el dibujos, vemos al samurai Naoe Kanetsugu y su mujer Osen, que vivieron en el siglo XVI.

Otros dibujos, donde vemos al popular personaje Doraemon y unos bailarines ciervo (Shishiodori).

Entre las cuatro variedades de plantas de arroz, destacan la de color verde de Tsugaru y otra de color morado y amarillo de Kodaimai.

Aunque esta moda comenzó en el año 1993 en la localidad de Inakadate, se ha extendido por varias regiones de Japón con el tiempo. Estos murales Inakadate, miden unos 15 kilómetros cuadrados. Hasta el año 2002, se solía representar sólo el monte Iwaki en los dibujos, pero con el paso del tiempo, los diseños se han ido diversificando y se elaboran con gran esmero, utilizando incluso ordenadores para prever cómo quedará el trabajo.

Desde el suelo, las figuras no se identifican bien, por lo que se suele subir a una torre en la oficina de la ciudad para observar el trabajo desde la perspectiva correcta.

En este dibujo, podemos ver reproducido el cuadro “La gran ola Kanagawa” del artista Katsushika Hokusai.

Más imágenes de campos de arroz, donde figuran entre ellos, varios de seres de la mitología japonesa.

Para lograr el efecto de profundidad, las fotografías se realizan en mesas de 1.2m. de ancho y 2.4m. de profundidad. Para evitar que ciertos alimentos se pongan mustios, se fotografían los decorados por etapas.

Este escenario de un campo, está elaborado con arroz, legumbres, cocos y un cielo de col lombarda.

En esta escena el cielo, las montañas y el rio están formados con jamón, mientras que las rocas son de pan. La casa está hecha con palitos de pan y salami para el tejado.

Escenario de un pequeño mercado rural, con casas de queso y macarrones formando cestos y toldos de tiendas.  Los productos que se venden en los puestos son granos, legumbres, verduras pequeñitas e incluso tortellinis.

Bosque recreado con brócoli como árboles y guisantes colgados como frutos de los mismos. La senda está hecha con comino molido, las montañas con pan y las nubes del fondo con colifor.

Este escenario rural de ambiente italiano, está hecho con un carro de pasta de lasaña donde hay cabezas de ajo, campos de macarrones, árboles de pimiento verde y hojas de árboles hechas con perejil. El muro está hecho con alubias y las nubes con mozzarella. Las casas del fondo son de queso.

Cocina en un entorno rural italiano donde los elementos son verduras, legumbres y pastas. Las casas son de queso y las cortinas de pasta.

Escenario marítimo hecho con col lombarda.

Los globos son de frutas y legumbres, los árboles de brócoli, las piedras de patata, los huertos de mazorcas de maíz y pepinos, mientras que las casas son de queso. La torre del campanario está coronada con una zanahoria.

Campo de setas gigantes. La piedras son legumbres.

Otra escena rural elaborada con palitos de pan y jamón de Parma. El camino es de salami, mientras que los árboles son de beicon.

Los árboles están hecho con hojas de col, las piedras con patatas rojas, el desfiladero con pan y el cielo con col lombarda.

Este escenario marino está formado por rocas y piedras de pan en la superficie y rocas de coliflor en el fondo del mar.

Las montañas del fondo y gran parte de las rocas son de pan, mientras que los árboles son de brócoli.

Este escenario de montañas nevadas está hecho con mortadela para las montañas y el campo, jamón de Parma para los árboles y los paquetes del trineo. Este último está hecho con palitos de pan, mientras las rocas son de pan.

Esta puesta de sol en una isla tropical, la componen rocas hechas con patatas y pan, mientras que el agua del mar está hecha con salmón. El barco que aparece en medio está recreado con una vaina de guisante.

Carl Warner trabajando.

“En el seno de mi pintura reside el tacto del dolor”

Si existiera un epíteto de cualidad tal que pudiera abarcar la extremidad y complejidad de la vida de una mujer como Frida Kahlo, éste sería dolor. El dolor es un maestro de parca boca y sabias lecciones. Una concubina que se extasía en salar las heridas. Un ansia que tan sólo encuentra sazón en el lamento. Frida Kahlo derramó sus gritos sobre la pintura, y la historia decide ensalzar su obra como un testimonio de sufrimiento disfrazado de experiencia, un pesar sublimado en talento. ¿Es morir mejor que morir?

De un azul cobalto brillante estaban pintadas las paredes de la casa en la que Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació, un seis de julio de 1907. Sus padres, inmigrantes judíos, centraron su atención sobre la ingeniosa y voluble Frida, e imaginaron, quizá, una vida de fortuna y bendición.

Sin embargo, la oscuridad decidió mutar los tonos de La Casa Azul, el día aquél en el que la poliomielitis eligió a la joven artista como su propio hogar. En 1913, la primera de las tragedias sacudió su decadencia sobre el cuerpo de la niña Frida, dejando una marca insalvable que permanecería eternamente como epitafio a su propia vulnerabilidad: una lesión en la pierna derecha que impediría el crecimiento de la extremidad.

A pesar de las inseguridades traídas de la mano de la enfermedad, Frida fue aceptada años más tarde en una escuela elitista y selecta situada en Ciudad de México. Abandonó el pequeño pueblo de Coyoacán, y postrada en la cama dejó a la niña enfermiza y frágil. A El Prepo acudió una joven rebelde y transgresora que pronto lideraría los grupos que se movían en la periferia comunista. Sus ansias de estudiar medicina, quizá como reminiscencia de su propio dolor, palidecieron al entrar en contacto con grupos políticos que discutían la idoneidad de reformas y fluctuaciones. La revolución entró en su vida con un ímpetu terrible, y Frida Kahlo no volvió a ser la misma.

Pintando un mural en la escuela, Frida encontró a un hombre grueso, de aspecto elefantino, sosteniendo con cómica sutileza los pinceles. Sin saberlo, la joven artista había encontrado una suerte de antídoto que repelería con igual vehemencia paz y felicidad en su vida, el hombre que escribiría a fuego sus momentos de éxtasis y redención: Diego Rivera.

“En mi vida he sufrido dos grandes accidentes. El primero cuando me atropelló el autobús. El segundo es Diego”

Sin embargo, el destino quiso separarlos, quizá porque todo prólogo se duele de timidez, y Frida sació sus pasiones con el joven Alejandro Gómez, un líder comunista que erraba por la Escuela Preparatoria sin rumbo fijo. En el calendario se estremecían las hojas de 1922.

Frida y Diego Rivera 1931

En una lluviosa mañana de septiembre, en 1925, estando Frida sentada en la parada del autobús, junto con Alejandro, la tragedia quiso perseguir su sombra por segunda vez. Las ruedas se detuvieron delante de los pasajeros. La cuesta pareció vacía. La curva resultaba extrañamente sencilla. Con un furia inconmensurable, el tranvía se empotró contra el autobús, y la suerte estuvo echada. Convaleciente y herido, Alejandro reptó por entre los cuerpos destrozados buscando a Frida.

La encontró, con un tubo metálico ensartado en su cadera, atravesando la pelvis, y resquebrajando el hueso en tres puntos distintos. Una ambulancia se apresuró en trasladarla hasta el hospital, en el que el terrible diagnóstico fue revelado: rotura de la columna vertebral a tres niveles, fracción de dos costillas, dislocación del hombro, fragmentación de la pierna en once fisuras, y rotura de los huesos del pie. Durante meses estuvo postrada en una cama, esperando las cartas de un Alejandro que se mostraba distante y frío.

El accidente, 1926

Pocos días después del accidente, los médicos trajeron una nueva noticia que, en un golpe irónico, quiso mofarse de su dolor físico instaurando un vibrante dolor espiritual: las lesiones harían imposible la concepción. Sin embargo, dicen los sabios que todo río anega y nutre a la vez, y puesto que a la altura de una ola toda embarcación fluctúa, quiso la vida restituir una suerte de metafórica facundia: por primera vez, Frida tomó los pinceles.

A pesar de la gravedad de sus heridas, Frida volvió a caminar. Sin embargo, el dolor estaría presente cada día de su vida; un dolor tan cruento que en dos ocasiones la llevó al borde del suicidio. Las drogas y el alcohol entraron a escondidas, intentando reducir la tortura de los días eternos en cama, las innumerables operaciones, y los letargos casi hipnóticos en los que tan sólo el sufrimiento la mantenía con vida.

“Bebía para intentar ahogar mi dolor, pero el maldito dolor aprendió a nadar”

Una amiga íntima introdujo a Frida en la bohemia mexicana de principios de siglo, sostenida sobre dos pilares básicos: Tina Modotti, la fotógrafa y marchante comunista, y Diego Rivera. Aquél que pintara “La Creación” en el auditorio de la Escuela Preparatoria bajo la mirada difusa de Frida, volvía a su vida dispuesto a anclarse a su lado. “Sigue así, pequeña”, dijo al ver los cuadros de la pintora, y las palabras sellaron una relación que derivó en Santo Matrimonio, el 21 de agosto de 1929. Ella tenía 22 años. Él 42.

El amor entre ambos pintores erró desconcertado entre la lujuria y el rechazo, atrayendo hacia sí el calor de otras personas que multiplicarían el binario perfecto. El odio sustituyó la pasión, para morir después en pos de una nueva armonía. La infertilidad de la pintora, unida a los frecuentes escarceos amorosos de Diego; el escaso reconocimiento público de su talento, y la oposición que su familia mostraba abiertamente para con su relación.

Elementos todos que arraigaron la agonía bajo la piel de la artista, evolucionando hasta alcanzar el punto en el que Frida rechazó su vocación como muestra de desesperación. Sin embargo, todo marea busca un cauce, y la tristeza seguía obsesa en su querencia de lienzos. Niños sanguinolentos, cuerpos fracturados, paisajes moribundos. Frida Kahlo pintaba su dolor.

Henry Ford Hospital o La cama volando, 1932

La pareja se trasladó a Estados Unidos durante la década de los treinta. Los extremos contrapuestos entre riqueza y pobreza, democracia y represión, avivarían en la pintora una amarga sensación de aprisionamiento. Su obra comenzó a beber de símbolos místicos y religiosos, preludiando un simbolismo idiosincrásico que elevaría como sello único.

Espoleados desde Estados Unidos, vuelven a México en 1934, en busca de una paz elusiva que no llega. Un segundo aborto arrasa emocionalmente a Frida, y cuando el dolor parecía alcanzar el punto máximo de extremo fulgor, una nueva noticia vendría a extirpar toda partícula de sazón de su interior: la última conquista amorosa de Diego llevaba el apellido Kahlo. Pero no el nombre “Frida”. Cristina, una de las hermanas de la pintora, había caído en los brazos del seductivo Diego, que a sus 47 años seguía ampliando la lista de escarceos extra-matrimoniales.

Autorretrato con collar de espinas y colibrí (1940)

“No puedo referirme a Diego como mi marido, porque ese término, referido a él, resulta absurdo por completo. Diego no es, no ha sido y jamás será el marido de nadie”.

Quizá en un arranque de anhelos vengativos, Frida quiso jugar la misma carta que su escurridizo cónyuge. El matrimonio Trotsky, compuesto por León y su esposa Natalia, vivían temporalmente en La Casa Azul, exiliados del auge autocrático en Rusia. A espaldas del mundo, León y Frida vivieron una tórrida relación que desembocaría en tragedia. Un asesinato en extrañas circunstancias centró la atención de los investigadores en el matrimonio de artistas que habían hospedado al malogrado León. Las pruebas resultaron insulsas, y ambos fueron eventualmente puestos fuera de sospecha.

El nuevo amante de Frida caldeó sus ascuas, y las obras proliferaron con sorprendente ansiedad. “Mi nana y yo”, “El difunto Dimas”, “Mis abuelos, mis padres y yo”, y una retahíla de autorretratos ocuparon su porción de pared en La Casa Azul.

Las dos Fridas, 1939

En 1938 conoció a André Breton, gurú del Surrealismo que vagabundeaba a través de los continentes en busca del arte onírico en esencia. Y lo encontró en Kahlo. “Un listón de seda alrededor de una bomba”, dijo Breton de la pintora. De su mano, la artista mexicana expuso en diferentes puntos del globo, incluyendo la gran Nueva York. El mundo comenzaba a conocer a Frida Kahlo. Sin embargo, Frida se rebeló contra los epítetos clasificatorios, y menospreciando la labor interpretativa de Breton, dijo:

“No supe que era una surrealista hasta que Breton me lo dijo. No lo soy, no pinto mis sueños, pinto mi realidad”.

Los conflictos maritales alcanzaron el punto súbito de ebullición, y a pesar de las reticencias de Diego, Frida exigió el divorcio. 1940 resultó el primer año de soltería tras once de matrimonio, y el más oscuro y ponzoñoso en la vida de la artista mexicana. La muerte embriagó su obra de un matiz sublime y perentorio. La oscuridad pintó sus colores, la sangre, el sufrimiento, el dolor, fueron verbos para su voz.

El abrazo de amor de: el universo, la tierra (México), Yo, Diego y el señor Xólotl, 1949

Tras unos meses de duelo y agonía, vuelve al lado de Diego, como una polilla que revolotea en torno al fuego que la nutre y consume a la vez. Su obsesión e idolatría por el muralista trepan hasta cimas inalcanzables: un diario dedicado casi en exclusiva a relatar su amor por el artista, cuadros y autorretratos inspirados por Diego, un ensayo dedicado a su obra… el universo de la pintora se agota en los brazos de su cónyuge.

1950 supone el preludio del éxtasis final. Ensalzada por otras artistas como matriz generadora, la pintora es enclaustrada durante nueves meses en un hospital, intentado superar la infección provocada por un injerto en la columna vertebral. Tres años después, tuvo lugar su primera exposición en México.

Convaleciente y encamada, los médicos prohibieron movimiento alguna. Sin embargo, la pintora no estaba dispuesta a festejar con su ausencia la primera exposición en su país natal. Las ambulancias sonaron a través de las calles, desconcertados los invitados. Tumbada en una camilla, Frida hizo su entrada en la Galería de Arte Contemporáneo.

Autorretrato en la frontera de México los Estados Unidos, 1932

Pocos meses después, la gangrena amenazó su vida. Los médicos decidieron amputar la pierna a la altura de la rodilla, para evitar una muerte segura. La depresión volvió a ahogar con sus mareas nefastas la luz de la artista, y en el verano de 1954, tras un calvario de noches sin días, lágrimas sin consuelo, y sueños sin recuerdos, Frida Kahlo moría en la misma Casa Azul que había atestiguado su nacimiento, su pasión y su decadencia. Sus últimas palabras, escritas en su diario, fueron:

“Espero que la marcha sea agradable, y espero nunca volver”.

Torturada por toda suerte de maldiciones, Frida Kahlo resquebrajó cada tabú de su tiempo en el nombre de su propia miseria. El drama de sus días tan sólo encuentra parangón en la profundidad de sus obras: impactantes, tristes, terribles, patéticas, hermosas; cada cuadro sabe demasiado a confesión, a proclama y a lamento. Una mujer enfrentada al vacío del lienzo que todo apadrina sin repulsa.

Madonna ha ensalzado la obra de Frida como fuente de inspiración primordial. Gran parte del interés actual por la artista puede estar debido a la pasión que su obra despierta sobre la cantante.

Dos desnudos en un bosque o la tierra misma, 1939

Cuando en el 2002, Salma Hayek interpretó a Frida en la gran pantalla, tuvo estas palabras de agradecimiento para con Madonna:

“Si no fuera por Madonna, esta película jamás se hubiera hecho. A todo el mundo le interesa lo que interesa a Madonna, y por esa razón su pasión ha ayudado enormemente a la realización de este proyecto. Me siento muy agradecida para con ella, porque le prestó atención a la obra de Frida mucho antes de que fuera tan conocida. Agradezco el aprecio e interés que tiene por nuestra cultura y nuestro arte”

Madonna posee en su colección privada varias obras de Frida Kahlo, entre ellas la increíblemente polémica “Mi nacimiento”, una obra cruda e impactante en la que la pintora mexicana representa de un modo sanguinolento y abrupto el momento en el que vio la luz por primera vez. Ciertos rumores aseguran que la cantante guarda en su manga una versión personal de la vida de Frida que finalmente llevará a la pantalla.

Mi nacimiento, 1932

Los corsés metálicos se clavaron en su cuerpo como agujas ensartadas en el aire, y sin embargo no consiguieron derribar su pasión por el arte. El amor torturó su alma para hacer de toda forma de dolor, físico y espiritual, una única agonía. La bebida y las drogas nublaron la vista, pero no pudieron cegar su luz. El arte mana del sufrimiento, porque todo cambio nace de la destrucción. La paz promueve el conformismo, y el conformismo es una eterna maldición. Frida Kahlo tradujo su duelo en el lienzo, quizá para que pudiéramos comprender que el fuego más ardiente es a la vez el que más ilumina.

“No estoy enferma. Estoy simplemente destrozada. Pero seré feliz mientras pueda pintar”.

La columna rota (1944)

Yoshitaka Amano (天野 喜孝), nació el 28 de julio de 1952 en Shizouka, Japón, y ya cuando era joven, sintió una gran fascinación por el dibujo. Aparte de participar en proyectos para el mundo de los videojuegos, ha ilustrado trabajos literarios como “Vampire Hunter D“, una novela de Hideyuki Kikuchi.

También ilustró “The Sandman: The Dream Hunters“, una version de una fabula japonesa, del autor Neil Gaiman.

En sus comienzos, incluso participó en el estudio que produjo Speed Racer o Gatchaman, más conocida por estos lares como Comando G.

Yoshitaka afirmó en una entrevista, que uno de sus personajes preferidos es Terra Branford, de Final Fantasy 6, ya que fue la primera heroína que apareció en la saga de Final Fantasy.

Diseños de Terra Branford

El trabajo de Amano está caracterizado por las líneas finas del pincel y la forma en que imprime fluidez en varios elementos, como el pelo o la ropa. Gran parte de su trabajo está elaborado con acuarelas o tinta, aunque ha empleado una gran variedad de medios en el pasado.

Una de las cosas que destaca en sus personajes masculinos, es el aire andrógino que presentan, y a mi personalmente, me parece sabe capturar muy bien la expresión diabólica en sus personajes malignos.

Esta es una de mis imágenes preferidas:

Beast One That Reveres Darkness

Aquí algunas muestras de sus obras:

Nightmare

Swordsman of moonlight

Dream on the moon

Tenma no yume (El sueño del caballo del cielo)

Ghost Moon

Albinone – Llama blanca

Moon Cavalier

Ilustración del universo de Final fantasy

Videojuego “Front Mission” de Super Nintendo (Snes)

1001 noches

Habetrot

Frenzy and fascination

The Sword And The Stallion

Bad Boys

Ballerina’s Dream

Entrevista y vídeo de Yoshitaka Amano en su estudio (en inglés)

Parte 1

Si el vídeo no funciona, puedes verlo aquí.

Parte 2

Si el vídeo no funciona, puedes verlo aquí.

Parte 3

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Esta artista nació de padre danés y madre finlandesa, que también pertenecen al mundo del arte. Naja ha vivido en numerosos lugares como Finlandia, Grecia o Egipto. De ahí viene su dominio de varios idiomas como el finlandés, alemán, inglés, sueco y su danés patrio.

Posee un máster en Comunicación Visual y una magnífica preparación artística. Comenzó en el mundo del diseño en el año 2003 y ha ido abarcando varios géneros como la ilustración, pintura, diseño gráfico, dirección artística y serigrafía, entre otras prácticas.

Su inspiración proviene del mundo de la moda y la música hardcore, así como el arte tradicional y el diseño, donde siempre le ha gustado observar el mundo que le rodea. Su estilo en la ilustración lo define como “encontrar áreas inexploradas de la mente y estimular la vista y la imaginación.”

Naja ha trabajado en proyectos para las firmas Max Mara o Solid Perfume Filth, así como un premiado libro infantil. Sus trabajos han sido publicados en una amplia variedad de publicaciones y libros sobre moda y diseño. También diseña impresiones y patrones de diseño para diferentes marcas de ropa, que incluyen la edición limitada para su propia firma, Meannorth.

Ha estado nominada y fue seleccionada para el concurso ” Los 200 mejores ilustradores del mundo” por partida doble, en 2007/2008 y de nuevo en 2009/2010.

¿Qué tienen de especial? Pues que estos huevos de agradable y suave tacto, llevan unos leds en su interior que emiten luz, la cual va cambiando y se alterna entre rojo, azul, verde y sus estados intermedios. Cada huevo tiene una duración en la transición de colores diferente, así la amalgama de tonos es muy surtida si los tenemos juntos.

Los huevos, podemos llevarlos por toda la casa y dejarlos donde queramos, tanto si queremos ver una peli en el sofá junto a ellos o dormir abrazados a esta luminiscencia. Tienen una autonomía de 6 horas y se recargan por inducción cuando los dejamos en la base que incorpora.

Como objeto para decorar son muy fashion, la luz es tenue y cómoda a la vista, dándole a cualquier rincón de la casa un ambiente intimista y moderno.

¿Qué tienen de especial? Pues que estos huevos de agradable y suave tacto, llevan unos leds en su interior que emiten luz, la cual va cambiando y se alterna entre rojo, azul, verde y sus estados intermedios. Cada huevo tiene una duración en la transición de colores diferente, así la amalgama de tonos es muy surtida si los tenemos juntos.

Si el vídeo no funciona, puedes verlo aquí.

Lugares para comprarlos: El Mundo, Siibil y Planeta Plutón.

Para la primera película, “La comunidad del anillo”, fue construida la figura del Troll de la cueva.

Para la segunda película, “Las dos torres”, fue construido un gran Gollum.

Para la tercera película, “El retorno del Rey”, fue construido un Nazgul.

Si el caballo posee las dos patas en el aire, la persona falleció durante una guerra o lucha. Esto puede ser erróneo, pues Alejandro Magno murió  de causas naturales (o envenenado, pero en cualquier caso su fallecimiento no tuvo nada que ver con ninguna batalla). En Argentina también podemos ver muchas estatuas ecuestres de José de San Martín y Manuel Belgrano con una o ambas patas del caballo al aire, pese a que ambos murieron de causas naturales.

Si sólo tiene levantada una pata delantera, esta persona murió por las heridas ocasionadas en el confrontamiento del combate. De nuevo vemos una estatua de Simón Bolivar, que murió probablemente por tuberculosis, incluso existe la leyenda de su envenenamiento. Sea como fuere, no fue a raíz de ninguna batalla.

Si el caballo mantiene sus cuatro patas en el suelo, este individuo falleció por causas naturales. En este ejemplo, de abajo, si se cumple el requisito, pues el primer duque de Wellington, murió en 1852 por causas naturales.

¿Serán verdaderos estos patrones en las patas de los caballos y su relación con la muerte de sus montadores? De momento, veo muchas excepciones. También he observado personajes que poseen estatuas de diferentes pautas, por lo que me inclino a pensar que esto es falso, o es poco conocido en el gremio de los artistas.